Ruhrtriennale 2026

special

»Wie beendet man eine Tragödie?«

Text: Sascha Westphal

24. Juli. 2026

Małgorzata Hajewska-Krzysztofik in »Europa«. Foto: Magda Hueckel

Die Folgen eines Massakers: Krzysztof Warlikowski zeigt Wajdi Mouawads »Europa« bei der Ruhrtriennale in der Bochumer Jahrhunderthalle.

Noch ist Małgorzata Szczęśniaks Bühne, die ebenso an ein Klassenzimmer wie an eine (Turn-)Halle und ein Internierungslager erinnert, menschenleer. Nur auf der großen Tafel im Hintergrund sieht man als Videoprojektion die Nahaufnahme eines jungen Mädchens. Das lässt einen zumindest die Maske mit den weit aufgerissenen Augen glauben, hinter der sich der Schauspieler und ehemalige Sportturner Claude Bardouil verbirgt. Von den wie eingefrorenen Zügen der Maske mit ihren riesigen Pupillen geht etwas Gespenstisches aus. Die dunklen Videobilder von diesem alterslosen Gesicht wirken verstörend. Ein tiefes Entsetzen hat sich in sie eingeschrieben. Dabei ist nicht einmal klar, ob dieses Mädchen starr vor Schrecken ist oder ein besonders perfides Spiel mit ihren Stofftieren treibt.

Noch während man wie hypnotisiert das Video betrachtet, betritt von rechts eine von Andrzej Chyra gespielte ältere Frau zögerlich die Bühne. Sie trägt einen braunen Pelzmantel, eine große braune Sonnenbrille und ein schwarzes Kopftuch. Ihre Gesichtszüge werden zwar nicht von einer Maske verdeckt, aber ihr ganzes Auftreten gleicht einer Maskerade. Diese Frau namens Europa scheint sich hinter ihrer Eleganz zu verstecken. Nach einem kurzen Blick auf das Video wendet sie die Augen ab und sucht Halt an einem der aufgereiht stehenden Schultische.

Dichtes Netz aus Andeutungen

Zu diesem Zeitpunkt ist in Krzysztof Warlikowskis Inszenierung von Wajdi Mouawads Stück »Europa« zwar noch alles offen. Aber es deuten sich bereits Verwicklungen und Verknüpfungen an. Während man die ältere Frau und das Mädchen beobachtet, verdichtet sich die Ahnung, dass diese beiden Figuren eine sein könnten. Warlikowski spinnt in diesen ersten Momenten ein derart feines und dichtes Netz aus Blicken, Andeutungen und Stimmungen, dass man sich umgehend in Mouawads Tragödie verfängt.

Wie kaum ein anderer Gegenwartsdramatiker ringt Wajdi Mouawad mit den politischen wie den privaten Verwerfungen, die ihre Wurzeln in den Genoziden und Bürgerkriegen, den Massakern und Fluchtbewegungen der vergangenen 80 Jahre haben. Schon in »Verbrennungen«, dem Stück, mit dem der libanesisch-kanadische Schriftsteller und Dramatiker seinen Durchbruch auf den deutschsprachigen Bühnen erlebt hat, vermischen sich fiktionalisierte Ereignisse aus dem libanesischen Bürgerkrieg, der seine Familie zunächst nach Frankreich und dann nach Kanada ins Exil geführt hat, mit Verweisen auf Sophokles‘ »Ödipus«. So weitet Mouawad den Blick von konkreten Gräueltaten auf grundlegende strukturelle Muster.

Das Massaker, um das »Europa« kreist, hat sich 1952 in der fiktiven Region Hafeztan ereignet. Die damals 8-jährige Europa hat nicht nur miterlebt, wie Verwandte von ihr Frauen, Männer und Kinder misshandelt und ermordet haben. Sie selbst ist auch schuldig geworden. 75 Jahre später wird sie von Assia, einer UN-Ermittlerin und Nachfahrin der Opfer des Massakers, mit ihr konfrontiert. So kommt eine verborgene Familiengeschichte ans Licht. Krzysztof Warlikowski verdichtet Mouawads Frage danach, wie sich Gewalt und Traumata über Generationen hinweg in die Leben von Menschen einschreiben, noch einmal. In seiner Inszenierung ist die 8-jährige Europa ganz konkret eine ständige Begleiterin ihres späteren Ichs. In ihren teils heftigen, wie von Krämpfen geschüttelten Bewegungen spiegelt sich nicht nur das von Hass und Selbsthass erfüllte Innenleben der 83-jährigen Europa. In ihnen offenbaren sich zugleich auch die Zerrissenheit und das Getriebene von Europas Töchtern wie ihrem Enkel. So bleibt schließlich eine Frage an uns alle zurück, die Mouawad stellt, aber weder er noch Warlikowski beantworten: »Wie beendet man eine Tragödie?«

»EUROPA«

28. BIS 31. AUGUST

JAHRHUNDERTHALLE BOCHUM

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»Der Text ist mir richtig in die Knochen gefahren«

Text: Max Florian Kühlem

04. Aug.. 2026

Christopher Rüping. Foto: Urban Zintel

Christopher Rüping erarbeitet für die Ruhrtriennale die Uraufführung »Deutscher Herbst«. Im Interview erklärt der Regisseur, dass damit viele deutsche Herbste gemeint sind – auch der erste nach dem Krieg.

kultur.west: Der Begriff »Deutsche Herbst« ist in Deutschland stark mit dem Jahr 1977 verbunden. Der Titel ihres Stücks bezieht sich aber auf das gleichnamige Buch, für das der schwedische Journalist Stig Dagerman 1946 durch Deutschland reiste. Wie kamen Sie darauf?
CHRISTOPHER RÜPING: Ich bin durch Zufall auf das Buch gestoßen. Es ist ein schönes Buch – also optisch. Der Autor selber war mir kein Begriff, in Schweden aber ist Dagerman ein Star, »Deutscher Herbst« ist dort Schullektüre wie bei uns Brecht oder Böll. Seine Schaffensphase war nur vier oder fünf Jahre lang, er hat sein Leben früh selbst beendet. Diese Phase aber hat gereicht für mehrere Theaterstücke, Romane, Kurzgeschichten und eben für »Deutscher Herbst« – einen Bericht von seinen Reisen durch Deutschland im Herbst 1946, den er im Auftrag einer schwedischen Tageszeitung verfasst hat. Ich finde das einen unglaublichen Text, er ist mir richtig in die Knochen gefahren und sitzt da seitdem. Dagerman hatte eine besondere Gabe für das Schreiben und das Schauen. »Deutscher Herbst« hält sich nicht an journalistische Regeln, aber er wirft einen sehr genauen Blick auf die Welt vor 80 Jahren. Dagerman fragt: Sind die Deutschen von sich aus Nazis – oder sind sie Opfer eines faschistischen Regimes? Angesichts der Umfragewerte, die es hierzulande gerade gibt, darf man diese Frage 80 Jahre später wohl wieder stellen.

kultur.west: Bildet sein Text die Basis für Ihre Inszenierung?
CHRISTOPHER RÜPING: »Deutscher Herbst« ist ein wichtiger Text für mich und für den Abend von zentraler Bedeutung. Aber die Inszenierung, die mir vorschwebt, ist keine Adaption von Dagermans Roman – und keine Geschichtsstunde. Mir geht es um die Gegenwart, immer. Der Herbst 2026, in dem das Ensemble die Bühne der Jahrhunderthalle betritt, bildet das Zentrum unseres Abends. Von hier aus schauen wir auf Stig Dagermans Herbsterzählung, aber auch auf Caspar David Friedrich, den großen Herbstmaler. Der Episodenfilm »Deutschland im Herbst«, der sich mit dem von Ihnen erwähnten Deutschen Herbst 1977 und der RAF auseinandersetzt, könnte eine Rolle spielen. Vielleicht müsste man also besser im Plural sprechen: »Deutsche Herbste«.

kultur.west: Um nochmal kurz bei dem in Deutschland relativ unbekannten Stig Dagerman zu bleiben. Zu welchem Schluss kommt man nach seiner Lektüre: Ist der Hang zum Faschismus in den Deutschen angelegt?
CHRISTOPHER RÜPING: Dagerman findet: Jemandem, der seine Tage im lichtlosen Keller eines zerbombten Wohnhauses verbringt, knietief im kalten Wasser steht, hart erkämpfte schrumpelige Kartoffeln in Brackwasser zu kochen versucht, während die Kinder rasselnd husten – dem kann man nicht vorwerfen, dass er sagt: »Früher war’s besser«. Dagerman ist ein sensibler Beobachter, schaut mit offenen Augen und mit offenem Herzen auf die Menschen, denen er begegnet – auf unsere Eltern und Großeltern. Sie selber sind heute verstummt und können nicht mehr erzählen von jener Zeit. Es gibt wenige Dokumente, die sie einem so nah bringen wie Dagermans Aufzeichnungen: die Not, unter der sie litten; die Schuld, die sie fühlten; die innere Rebellion gegen diese Schuld. Mein Vater wurde 1942 geboren – seine ersten Lebensjahre verbrachte er in der Welt, die Dagerman bereist. Diese Jahre haben ihn geprägt, auch seine Beziehung zu mir und dadurch mich. Ich habe nie mit meinem Vater darüber gesprochen. Mein Fehler, nicht seiner. Dagermans Text füllt eine Lücke für mich, sein Außenblick lässt mich ein Gefühl für diese Zeit bekommen.

kultur.west: Welche Rolle spielt der Herbst als Motiv?
CHRISTOPHER RÜPING: Ganz konkret ist es Herbst, während Stig Dagerman durch das Ruhrgebiet, Hamburg und Berlin reist. Gleichzeitig ist der Herbst auch irgendwie die deutscheste aller Jahreszeiten. Ständig wird er besungen in der deutschen Lyrik: der Wald verändert seine Farbe, die Blätter fallen, die kalte Jahreszeit steht vor der Tür, Romantik, Melancholie. Ist doch interessant, dass es in der deutschen Kulturgeschichte verschiedenste »Deutsche Herbste« gibt, aber keinen einzigen »Deutschen Frühling«. Was sagt das über unser kulturelles Selbstverständnis aus?

kultur.west: Wäre Ihre Diagnose denn auch die der meisten Theaterkünstler: dass die rechten Kräfte wiedererstarken und alles an vor hundert Jahren erinnert?
CHRISTOPHER RÜPING: Dass rechte Kräfte stärker werden, ist ja keine Frage der Meinung, sondern Fakt, nicht nur in Deutschland, sondern in ganz Europa, dem ganzen globalen Norden. Ob man das jetzt mit der Situation vor hundert Jahren in Deutschland vergleichen kann, müssen Menschen beantworten, die sich besser auskennen als ich. Mir scheint jedenfalls, es gibt eine große Angst. Und zwar in alle Richtungen: Auf der einen Seite Verlustängste, Zukunftsängste, Existenzängste, die bei manchen dazu führen, ihre Kreuze bei rechten Parteien zu machen. Auf der anderen Seite die Angst vor genau diesen Kreuzen. Dagerman schreibt: »Die Angst ist der tiefste Zustand dieses Landes«. In den letzten Jahren haben überall im Land Schwindel-Zentren aufgemacht und alle sind sie völlig überlaufen. Ein Arzt sagte mir: Bei 80 Prozent der Leute, die mit Schwindel kommen, finden wir nichts Physisches. In diesen Fällen handelt es sich meistens um Angststörungen.

kultur.west: Wie gehen Sie konkret an die Inszenierungsarbeit heran?
CHRISTOPHER RÜPING: Das ist unterschiedlich. Manchmal stoße ich auf einen Text, der mich einfach nicht loslässt. »Trauer ist das Ding mit Federn« von Max Porter, den ich am Schauspielhaus Bochum inszeniert habe, war so ein Text: Ich fand (wie bei Dagerman) den Buchumschlag toll, hab das Buch ahnungslos gekauft, es hat mich völlig umgehauen, ich wusste ziemlich direkt, dass ich es inszenieren will. Am Anfang des Probenprozesses stand also der Text und eine ihm abgeleitete Frage: Wie finde ich einen Weg aus der Trauer? Aber es geht auch andersherum. Manchmal gibt es ein Thema, das mich umtreibt, künstlerisch wie menschlich, zum Beispiel der Schwindel: Wo kommt er her, wo will er hin? Das Thema wird dann zum Magneten, ich laufe mit ihm durch mein Leben – Gespräche, Musik, Momente, Bücher, Zitate bleiben haften. Nach und nach entsteht aus dem Thema ein Text. Und manchmal auch ein Netzwerk. So bin ich zum Beispiel auf das Forschungsprojekt »Iliggocene – The Age of Dizziness« gestoßen, das künstlerische Positionen zum Thema Schwindel versammelt. Ein ganzes Netzwerk von Künstler*innen, die sich auf völlig andere Art mit derselben Frage beschäftigen wie wir im »Deutschen Herbst«.

kultur.west: Arbeiten Sie gern mit denselben Menschen über Jahre hinweg?
CHRISTOPHER RÜPING: Mir ist die Balance wichtig. Bei »Deutscher Herbst« wird man Wiebke Mollenhauer auf der Bühne sehen, mit der ich seit dem ersten Semester an der Schauspielschule zusammenarbeite, es werden bald 20 Jahre. Auch mit Benjamin Lillie und Steven Sowah arbeite ich schon seit Langem. Kontinuität schafft Vertrauen: Vertrauen, dass man einander wirklich meint – und man nicht etwa dazu gebracht wurde, miteinander zu arbeiten. Vertrauen auch darin, dass man nicht bei jeder Komplikation gleich das Handtuch wirft. Die Gefahr ist allerdings, dass eine Produktion zum »closed shop« wird, dass man im eigenen Saft gärt. Deswegen ist mir in jeder Arbeit ein Gleichgewicht wichtig, dass also auch komplett neue Begegnungen und Stimmen dazukommen.

kultur.west: Warum ist Musik bei Ihnen so zentral – oft auch populäre Musik?
CHRISTOPHER RÜPING: Weil sie in meinem Leben so zentral ist. Sie gehört einfach dazu. Ich benutze Musik in meinen Inszenierungen selten als Hintergrund, als »underscoring«. Entweder ist die Musik an und laut und erzählt etwas, was sich für mich nicht anders erzählen lässt – oder sie ist aus. Mir ist wichtig, dass die Musikauswahl spezifisch mit dem Projekt zu tun hat. Ich bemühe mich darum, nicht einfach nur meine Spotify-Playlist in die Inszenierungen zu ballern. Für »Deutscher Herbst« interessiert uns die Musik der deutschen Romantik, speziell die wenigen Kompositionen für Blechbläser. Gleichzeitig beschäftigen wir uns mit den Böhsen Onkelz, die früher als Rechtsrock-Band bekannt waren. Die haben einen Song namens »Deutschland im Herbst«, da geht es um die rechten Terroranschläge in Rostock-Lichtenhagen. Die Band wendet sich plötzlich gegen rechte Gewalt, vollzieht also eine 180-Grad-Kehrtwende. Auch das ist ein »Deutscher Herbst«, auch er ist für uns von Bedeutung.

kultur.west: Bleiben Sie Bochum eigentlich über die aktuelle Ruhrtriennale erhalten?
CHRISTOPHER RÜPING: Mir liegt extrem viel an Bochum als Theaterstadt und ihrem Publikum. Ich bin zuversichtlich, dass man sich nicht so schnell aus den Augen verliert.

Zur Person

Christopher Rüping wurde 1985 in Hannover geboren, studierte Theaterregie in Hamburg und Zürich. Seine ersten Inszenierungen zeigte am Schauspiel Frankfurt. Mit »Das Fest« nach dem gleichnamigen Film von Thomas Vinterberg, das er für das Staatstheater Stuttgart erarbeitet hatte, wurde er 2014 zum ersten Mal zum Berliner Theatertreffen eingeladen. In den folgenden Jahren gelang ihm das noch häufiger, unter anderem mit der Inszenierung »Das neue Leben« am Schauspielhaus Bochum. Rüping arbeitet heute im gesamten deutschsprachigen Raum und seine Inszenierungen sind auch regelmäßig auf Festivals im In- und Ausland zu sehen

»DEUTSCHER HERBST«

17. BIS 20. SEPTEMBER

JAHRHUNDERTHALLE BOCHUM

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Emily Dickinsons Poesie wird Klang

Text: Max Florian Kühlem

07. Aug.. 2026

Joyce DiDonato und »Time for Three« in »Emily - No Prisoner Be«. Foto: Anja Koehler

Komponist Kevin Puts hat für das erstaunliche Streichtrio »Time for Three« und die Ausnahme-Sängerin Joyce DiDonato komponiert. Bei der Ruhrtriennale feiert »Emily – No Prisoners Be« Deutschlandpremiere.

Die wahnsinnige Energie dieses erstaunlichen Ensembles springt einen gleich in der ersten Sekunde an. Nick Kendall streicht den Bogen in einem irren Tempo über die Saiten seiner Geige als wolle er sie damit zersägen, Charles Yang gesellt sich mit starken Akzenten an der zweiten Geige dazu und Ranaan Meyer grundiert am gestrichenen Kontrabass. Zusammen bilden sie das erstaunliche Ensemble »Time for Three«. Für das Projekt »Emily – No Prisoner Be«, das im Programm der Ruhrtriennale Deutschlandpremiere feiert, haben sie sich mit einer der größten Opernsängerinnen der Gegenwart zusammengetan: Joyce DiDonato. Gemeinsam ehren sie eine der wichtigsten Dichterinnen der Literaturgeschichte, Emily Dickinson. Ein Abend der Superlative also.

Dass man etwas von der Energie, die ihr Konzert mit Gedichtvertonungen versprüht, schon spüren kann, liegt daran, dass Ausschnitte aus dem Konzert bereits als Video im Internet zu finden sind. Wenn man sie sieht, ist sofort klar, dass man diesen Abend live erleben möchte – weil hier so viele tolle Faktoren zusammenkommen und sich gegenseitig verstärken.

Zum einen ist da natürlich die ungebrochene Begeisterung für Emily Dickinson, die heute auch als queere Ikone wiederentdeckt wird, weil ihre Korrespondenzen wohl den Schluss erlauben, dass sie lesbisch gewesen ist. Das wäre aber nur ein Puzzleteil einer faszinierenden Existenz: Zu Lebzeiten bekam sie kaum Ansehen als Dichterin. Sie verließ fast nie die US-amerikanische Provinz um Amherst herum, eine Kleinstadt im Bundesstaat Massachusetts. Dort wurde sie 1830 geboren – und dort verstarb sie gut 55 Jahren später. Mit knapp dreißig Jahren zog sie sich in ihr Kinderzimmer zurück – aus Selbstschutz, so heißt es, und um das große Bedürfnis nach dem ungestörten Schreiben zu stillen.

In jeder Zeile steckt Musik

Obwohl sie sich als Autorin verstand, erschienen zu Lebzeiten nur sieben der rund 1800 Gedichte, die sie verfasste. Ihr Vater, ein Rechtsanwalt und Politiker, bot seiner Tochter zwar ein sorgenfreies Familienleben. Der Veröffentlichung ihrer Verse, die gesellschaftskritisch, manchmal düster oder so verwinkelt sind, dass sie sich dem einfachen Verständnis widersetzen (wie alle gute Literatur), stand er im Weg.

Fan von Dickinsons Lyrik ist auch der Komponist und Pulitzer-Preisträger Kevin Puts. Er hat im Auftrag der Bregenzer Festspiele eine Reihe von Vertonungen ihrer Gedichte für »Time for Three« und die Sopranistin Joyce DiDonato geschrieben. Puts selbst betont, dass er damit keinesfalls der erste sei. Seiner Kenntnis nach gebe es über 3000 musikalische Bearbeitungen ihrer Texte. Aber warum nicht nochmal neu herangehen? »Ihr Werk schreit förmlich danach, gesungen zu werden. Es steckt Musik in jeder Zeile, in jedem Wort und in den Zwischenräumen. Es inspiriert Rhythmus, Harmonie, Melodie, musikalische Atmosphäre – es springt einen förmlich von der Seite an, so dass Komponisten ihm nicht widerstehen können.«

»Ich habe keine Sekunde gezögert, den Liederzyklus zu singen«, hat Joyce DiDonato im Interview über das Projekt gesagt. »Meine allererste Solo-CD, die ich vor über 20 Jahren aufgenommen habe, enthielt die ‚Twelve Poems of Emily Dickinson‘ von Aaron Copland. Als ich Dickinson damals entdeckte, erschloss sich für mich eine ganz neue Welt! Das Projekt zusammen mit Kevin war für mich die Gelegenheit, sie neu zu erkunden.«

Der Zyklus enthält 24 Gedichte, genau wie Franz Schuberts »Winterreise«. Jedes davon beschreibt ein »eigenes Universum«, sagt DiDonato. Die Musik setzt mal impulsive Akzente, wie im oben beschriebenen Eröffnungsstück »They shut me up in Prose«. Mal wirkt sie zerbrechlich oder schwermütig, wie in »I was the slightest in the house«. Das Trio »Time for Three« kann aber auch Rock oder Country – und vor allem auch Gesang. So sind sie ein toller Backgroundchor für die Sängerin. Ein weiterer besonderer Faktor für einen besonderen Abend.

»EMILY – NO PRISONER BE«

21.-23. AUGUST

JAHRHUNDERTHALLE BOCHUM

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Der Weg zur Erleuchtung

Text: Stefan Keim

11. Aug.. 2026

Siddhartha wird gespielt von der Sängerin Meskerem Mees. Foto: Anneke D'Hollander

Ruhrtriennale: Lisaboa Houbrechts bringt Hermann Hesses »Siddhartha« als Musiktheater auf die Bühne der Maschinenhalle Zweckel.

Ruhrtriennale: Lisaboa Houbrechts bringt Hermann Hesses »Siddhartha« als Musiktheater auf die Bühne der Maschinenhalle Zweckel.

Hermann Hesse war nie in Indien. Aber mit seinem vor gut 100 Jahren erstmals veröffentlichten Roman »Siddhartha« löste er eine große Begeisterung vieler Europäer für die indische Spiritualität aus. In Südasien ist das Buch ebenfalls beliebt und wurde häufig übersetzt. Ein junger Mensch befreit sich von allen Konventionen und sucht nach Erleuchtung, nicht durch Theorien und Lehren, sondern durch persönliche und körperliche Erfahrungen. Ein perfektes Thema für die Ruhrtriennale, denn die überdimensionalen Räume in den ehemaligen Industriehallen verlangen nach Geschichten, die Menschheitsfragen stellen, nach Utopien und Weltentwürfen.

Die Maschinenhalle Zweckel in Gladbeck mit ihrem Fliesenfußboden, den Rundfenstern und den alten Maschinen, die im riesigen Raum stehen, bietet besonders viele Möglichkeiten. Allerdings müssen sich Künstler*innen auf diese Halle stark einlassen, sie ist nicht so flexibel verwandelbar wie die Bochumer Jahrhunderthalle oder die Kraftzentrale in Duisburg. Die belgische Theatermacherin Lisaboa Houbrechts ist von dem eigenen Charakter der Maschinenhalle begeistert. »Es wird sich ein Flussbett durch die Halle ziehen«, erzählt sie, «das in zwei Teile zerbrochen ist. Ein Teil des Bühnenbildes ist etwa acht Meter hoch. Es gibt eine Menge Stufen auf dem Weg zur Erleuchtung. Die andere Seite ist eine etwas niedrigere Rampe, die aber auch vier oder fünf Meter hoch ist. Sie repräsentiert das Leben in der Stadt. Zwischen der Treppe und der Rampe gibt es ein Feld, das den See darstellt, an dem Siddhartha am Ende ankommt.«

Die Seele hat kein Geschlecht

Hermann Hesses Roman beschreibt eine Reise durch vier verschiedene Landschaften. Siddharta verlässt sein Zuhause, weil er sieht, dass er sich hier spirituell nicht weiter entwickeln kann. Sein Weg führt ihn durch die Natur, deren Schönheit er lieben lernt, und in die Stadt, wo er eine Kurtisane bittet, ihm die körperliche Liebe beizubringen. Sein Ziel, das Nirwana zu erreichen, treibt ihn immer weiter voran. In Lisaboa Houbrechts Inszenierung ist Siddhartha eine nicht binäre Person, dargestellt von der belgisch-äthiopischen Sängerin Meskerem Mees. »Siddhartha findet heraus, dass die Seele kein Geschlecht hat«, erklärt die Regisseurin. »Das ist mit viel Schönheit verbunden und kann helfen, weniger Schmerz zu empfinden. Der Körper ist auch ein Opfer der eigenen Identität.«

Der Roman ist eher kurz. Jeder Lesende kann ein eigenes Tempo entwickeln. »Ich wollte viele Sätze singen lassen«, sagt Lisaboa Houbrechts, »um ein bisschen mehr Zeit mit ihnen zu verbringen.« So kamen die Komponistin Caroline Shaw und der 24köpfige Lettische Rundfunkchor ins Spiel. »Siddhartha« wird eine für die Ruhrtriennale typische Kreation aus Musiktheater und Schauspiel.

Die Idee entstand während einer Indien-Reise in der Pandemiezeit. Lisaboa Houbrechts arbeitete mit der Tänzerin Shantala Shivalingappa, die auch bei »Siddharta« dabei ist, an einem Projekt. Den Roman hatte sie von zu Hause mitgenommen und war überrascht, dass er in Indien auch bekannt war. Lisaboa erlebte, wie hart das Virus die indische Gesellschaft getroffen hat, sah Leichen auf den Straßen, erlebte einen anderen, weniger tabuisierten Umgang mit dem Tod als zu Hause. Sie schrieb zwar einige Notizen, aber erst als sie Hermann Hesses »Siddhartha« las, fand sie Worte, um ihre Erfahrungen zu beschreiben. »Und als Ivo Van Hove mich nach einem Lieblingsprojekt fragte«, erzählt Lisaboa, »wusste ich sofort, dass ich ‚Siddhartha‘ machen wollte«.

Nun macht sich Siddhartha also in Zweckel auf die Suche nach der Erleuchtung. Durch die Fenster der Halle wird man sehen, wie das natürliche Licht in der ersten Hälfte der Aufführung verschwindet und ins künstliche Licht übergeht. Und wie die Welt der Lebenden und der Toten anfangen, sich zu überlagern. »Ich kann inzwischen nicht mehr sagen«, meint Lisaboa Houbrechts, »wo Hermann Hesses Stimme aufhört und meine eigene beginnt.«

»SIDDHARTHA«

10. BIS 13. SEPTEMBER

MASCHINENHALLE ZWECKEL GLADBECK

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Die Kraft des Tanzes

Text: Sarah Heppekausen

14. Aug.. 2026

Szene aus »Back to Kidal«. Foto: Roel Van Berckelaer

Serge Aimé Coulibaly kommt mit seiner dynamischen Choreografie »Back to Kidal« zurück zur Ruhrtriennale.

Serge Aimé Coulibaly kommt mit seiner dynamischen Choreografie »Back to Kidal« zurück zur Ruhrtriennale.

Es gibt diese biografische Notiz aus seinem beruflichen Leben, die eine Menge über Serge Aimé Coulibaly erzählt. Einige Jahre lang, noch vor seiner eigenen Arbeit als Choreograf, tanzte Coulibaly beim belgischen Choreografen und Regisseur Alain Platel. Er war damals der einzige afrikanische Tänzer in dessen Kompanie – und der einzige Performer, der nicht vom klassischen Ballett kam. Sein Körper kannte Grenzen: Ein Bein hoch in die Luft zu strecken, war für ihn schlicht nicht möglich. Also überlegte er, wie er sich, seinen Körper und seine Tanzsprache anders einbringen könnte. Und er schöpfte aus der Kraft und Präsenz, die er im populären afrikanischen Tanz gelernt hatte. Heute zeugen seine Arbeiten von eben dieser kraftvollen Leidenschaft. In seiner physischen und rhythmischen Tanzsprache, häufig geradezu impulsiv, widmet er sich Themen wie Macht und Migration, Kolonialismus und kollektiver Erinnerung.

In der vergangenen Ruhrtriennale-Spielzeit kreierte Coulibaly die tänzerischen Elemente in Ivo Van Hoves Eröffnungsinszenierung »I Did It My Way«. Das Hinwerfen, Hinfallen und Wiederaufstehen war ein zentrales Element in seiner dynamischen Choreografie. In diesem Jahr kommt der künstlerische Leiter mit seiner Kompanie Faso Danse Théâtre und einer neuen Arbeit in die Gießhalle im Duisburger Landschaftspark: »Back to Kidal« ist lose inspiriert vom Dokumentarfilm »Soundtrack to a Coup d’État« (2024) über die Ermordung Patrice Lumumbas und über Jazz als politisches Instrument im Kalten Krieg. Coulibaly ergründet das Erbe von Sklaverei, Kolonialismus und kultureller Auslöschung. Die titelgebende Stadt Kidal liegt in der Sahelzone und schaut auf eine uralte Musikkultur zurück. Für diese Inszenierung haben Yvan Talbot (Doogoo D) und Patrick Kabré eine Afro-Blues-Klanglandschaft entwickelt, die an diese musikalische Geschichte Afrikas anknüpft. Mit Tanz, Musik, Gesang, gesprochenem Wort und Video begibt sich Coulibaly mit dem Publikum, das zum Teil mit auf der Bühne sitzt, auf diese besondere Reise zwischen Erinnerung und Zukunft.

»BACK TO KIDAL«

5. UND 6. SEPTEMBER

GIESSHALLE, LANDSCHAFTSPARK DUISBURG-NORD

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Seelenschau

Text: Sarah Heppekausen

18. Aug.. 2026

Germaine Acogny in »Joséphine«. Foto: Cyprien Tollet

Zwei Pionierinnen des Tanzes: Germaine Acogny tanzt Josephine Baker. Das leidenschaftliche Solo der afrikanischen Choreografin ist Teil des Doppelabends »AS WE ARE« bei der Ruhrtriennale.

Zwei Pionierinnen des Tanzes: Germaine Acogny tanzt Josephine Baker. Das leidenschaftliche Solo der afrikanischen Choreografin ist Teil des Doppelabends »AS WE ARE« bei der Ruhrtriennale.

Sie war ein Star der Goldenen Zwanziger, brachte mit einem extrovertierten Tanzstil, mit Ironie und Grimassen und einer außergewöhnlichen Präsenz neue Tanzstile in die europäischen Häuser: die legendäre Josephine Baker, 1906 in St. Louis, Missouri geboren, als Tochter einer Waschfrau und eines Schlagzeugers wuchs sie in ärmlichen Verhältnissen auf. 1917 erlebte sie die Rassenunruhen in St. Louis, später wurde sie zur Aktivistin und kämpfte engagiert gegen den Rassismus. In Paris fühlte sie sich befreiter. »Josephine war viel weißer als ich und wurde trotzdem Opfer von Rassismus«, sagt Germaine Acogny in einem Interview. Auch sie ist eine Pionierin – als Grande Dame und Mutter des zeitgenössischen afrikanischen Tanzes wird sie betitelt. Die 82-jährige Germaine Acogny hat einen Soloabend zu Josephine Baker entwickelt, es ist eine Hommage an die gebürtige Amerikanerin, die sie selbst auf der Bühne tanzt. »Jetzt wird sie im Körper einer echten Schwarzen wieder aufleben! Nicht schlecht, oder?«, so Acogny.

Inspiriert von der Natur

Die senegalesisch-französische Tänzerin, Choreografin und Tanzlehrerin eröffnete 2004 zusammen mit ihrem Mann Helmut Vogt die Tanzschule »École des Sables«, im Fischerdorf Toubab Dialao im Senegal. Dort begegnen sich junge Tänzer*innen aus verschiedenen afrikanischen Regionen und Ländern, deren Ideen, Traditionen und Tanztechniken. In einem Freiluftstudio tanzen sie barfuß im Sand – Sand aus all den verschiedenen Herkunftsländern, auch, damit sie sich ihrer Wurzeln stets bewusst bleiben. Germaine Acogny bringt hier traditionelle westafrikanische Tänze und westliche Moderne zusammen, lehrt ein neues Bewusstsein für Bewegung nach der sogenannten Acogny-Technik. Da steht die Dynamik der Wirbelsäule im Zentrum und Bewegungen sind stets inspiriert von der Natur, von der Bewegung der Bäume zum Beispiel. Germaine Acogny wurde 1944 in Benin geboren, aufgewachsen ist sie im Einfluss der Yoruba-Tradition, ihre Großmutter war Priesterin. Heute zählt sie zusammen mit Koffi Kôkô und der im März verstorbenen Elsa Wolliaston zum Dreigestirn des zeitgenössischen afrikanischen Tanzes.

»Wenn du tanzt, soll man nicht deinen Körper sehen – sondern deine Seele«, sagt Acogny im aktuellen Film »Die Essenz des Tanzes«, der ihre Arbeit dokumentiert. In »Joséphine« zeigt sie die Seele Bakers – als Symbol für die Freiheit Schwarzer Frauen, leidenschaftlich und energiegeladen. Ergänzt wird der Doppelabend »AS WE ARE« von einer choreografischen Antwort auf Acognys Kreation: Gregory Maqoma hat sich für »Bantu« von Acogny inspirieren lassen und bringt in seiner Aufführung die Tänzer*innen der »École des Sables« und des südafrikanischen Vuyani Dances Theatres zusammen. Ihr gemeinsames Thema: die Erinnerung und die Rückeroberung der Identität.

»AS WE ARE«

16., 18. UND 19. SEPTEMBER

GEBLÄSEHALLE, LANDSCHAFTSPARK DUISBURG-NORD

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»Wir können uns selbst kreieren«

Text: Andreas Wilink

26. Juni. 2026

Ivo Van Hove (l.) und David Bowie. Foto: Jan Versweyveld

Heute Abend startet die Ruhrtriennale – im dritten Jahr seiner Ruhrtriennale-Intendanz bereitet Ivo Van Hove der Musik von David Bowie eine Bühne. Was wird er zeigen? Ein Gespräch.

Zeitgenossenschaft ist ein gehaltvoller Begriff: Er enthält Weltläufigkeit, das Akute und Vitale wie auch die Idee der Brüderlichkeit. Er bezeichnet Interesse am Gegenwärtigen, das aber ohne Wertschätzen von Tradition nicht produktiv wird. Ivo Van Hove, beheimatet in Belgien und den Niederlanden, aber künstlerisch in Amsterdam und Antwerpen ebenso zuhause wie in Paris und Madrid, London und New York, ist ein Kosmopolit der Künste, der Euripides und Sophokles, Shakespeare und Marlowe, Arthur Miller, John Cassavetes, Ingmar Bergman und und und inszeniert (hat). »Sehnsucht nach Morgen«, als Motto seiner dreijährigen Ruhrtriennale, meint ein Selbstverständnis, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gemeinsam in den Blick nimmt.

Übrigens begann seine Karriere jenseits etablierter Theaterspielorte. Mit 21, 1980, habe er im Hafen von Antwerpen eine unaufgeputzte Halle, groß wie die Jahrhunderthalle, für seine erste Inszenierung genutzt. »Da haben wir unseren Stil entdeckt, inspiriert von der Performance Art, auch von Peter Stein und seiner ,Orestie‘ in Berlin, auch von Peter Zadek – wow!, seine Lulu, unglaublich, roh und nicht sauber«.

Echo-Räume bis ins Heute

Lässt sich für den Intendanten die Erwartung ans Morgen noch als sehnsüchtig beschreiben? Van Hove: »Immer noch mehr. Bereits vor vier Jahren, mit Beginn von Russlands Krieg gegen die Ukraine, musste ich erkennen, wie sich Gewalt als legitimes Mittel etabliert, um politische Ziele zu erreichen. Diese Realität ist seither noch gewachsen, so dass darin die Gefahr der Akzeptanz liegt, gegen die wir uns wehren müssen. Und ich sehe, dass Künstler*innen darauf künstlerisch reagieren, nicht direkt als politisches Theater, eher in dem Sinn, dass Politik etwas ist, dass die Polis betrifft, also die Gemeinschaft.«

Im Rückblick auf die vorigen Festivalsaisons bewegten sich auf der Zeitachse Produktionen wie Kiril Serebrennikows »Legende«, Łukas Twarkowskis »Oracle« und »Guernica Guernica« von FC Bergman, die historische Figuren, Motive, Stoffe und Ereignisse ins Präsens brachten, um ins Futur zu weisen. Vorausschauend auf die aktuelle Saison gilt diese Perspektive auch: etwa für »Deutscher Herbst«, der vom Nachkriegsjahr 1946 den Echo-Raum über 1977 bis ins Heute öffnet und Mentalitäten und Umbrüche markiert. Und gilt für »Europa« als Tragödie und Traumastoff, der sich fortschreibt über Generationen. Dass das Festival mehrfach Projekte aus dem östlichen Europa einlud, wie in diesem Sommer des aus Polen stammenden Krzysztof Warlikowski mit dem Novy Teatr Warszawa, belegt die dringliche Integration des Kontinents.

Ivo Van Hove betont dies noch: »Es ist eine neue alte Dimension, nur hatten wir sie fast vergessen. So wie wir jetzt Acht geben müssen, nicht die Ukraine wieder zu vergessen und sie aus den Nachrichten verdrängt zu sehen wegen aktuellerer Krisenherde, was auch ein Problem der Mediatisierung ist und ohnehin ein menschlicher Faktor, der so funktioniert. Vergleichbar mit dem Vietnam-Krieg, ich bin ja Kind dieser Zeit, heranwachsend in den sechziger Jahren, damals gab es dieses Phänomen des Verschwindens aus der öffentlichen Wahrnehmung. Ich bin jetzt gerade in New York, wo die Angst mit Blick auf den Iran die eines zweiten Irak-Kriegs ist – oder eines zweiten Vietnam.«

New York ist die Stadt, in der Van Hove vor zehn Jahren David Bowies Musical »Lazarus« uraufgeführt hat: Im Dezember 2015 war die Premiere. Er habe als einziger im Team gewusst, wie krank Bowie war, der, wenn er sich gut fühlte, oft zu den Proben gekommen sei. Schon geraume Zeit zuvor hätten sie beide intensiv an dem Projekt gearbeitet, wobei Bowie nie seine »power of authority« ausgespielt habe. Über kritische Anmerkungen und dramaturgische Fragen habe er nachgedacht, um sie dann zu diskutieren und auch zu akzeptieren. »Sein Traum war es, Musik für Theater zu schreiben«, habe er ihm gegenüber bekannt.

Fassbinder, Chéreau und Bowie

War Ivo Van Hove überhaupt von Beginn an klar, dass er drei musikalische Openings inszenieren würde? »Ja, das war so geplant, aber nicht klar, welche genau. PJ Harvey mit Sandra Hüller stand fest. Frank Sinatra / Nina Simone noch nicht. ‚Watertown‘ war für mich eine zufällige Entdeckung, dieses kaum bekannte wunderschöne Sinatra-Konzeptalbum, das er als sein intimstes betrachtet hat. Beim Nachdenken bin ich dann auf die Kombination mit Nina Simone gekommen. Und jetzt ‚Rebel Rebel‘ mit Bowie, die Idee besteht schon lange und hat gar nichts mit seinem zehnjährigen Todestag zu tun.«

Mit ihm verbindet er »das stärkste persönlichste Band. Ich hatte drei Idole, Rainer Werner Fassbinder – auf jeden seiner Filme in den siebziger Jahren habe ich regelrecht gewartet. Sein Tod war für mich ein Schock. Dann Patrice Chéreau, zu dessen Aufführungen in Paris ich oft gefahren bin, obwohl ich ganz wenig Geld hatte, und es danach direkt wieder zurückging. Und Bowie.«

Van Hove hat 35 Songs ausgewählt, von verschiedensten Alben, angefangen mit dem ersten aus den Sixties (»für mich eine Offenbarung«), mal weniger bekannte Songs und mal sehr berühmte. Jedes Lied mache Sinn für die Geschichte und ihr Ziel. Im Song »Rebel Rebel« lautet eine Zeile: »You’ve got your mother in a whirl / She’s not sure if you’re a boy or a girl«. Darin steckt das uneindeutig Chamäleon-hafte, das Bowie verkörpert, von Ziggy Zardust über den White Duke und Berliner Prinzen der Nacht bis zur absoluten Pop-Ikone. Vom Außenseiter zum Mittelpunkt. Der sich die Freiheit nahm, wie Thomas Mann sagt, »im Gleichnis leben zu dürfen«. Identität im Rollenspiel.

»Die Liebe überwindet alles«

Ist das Changierende, Ambivalente das, was Van Hove an Bowie interessiert? »Ja, klar, einer seiner bekanntesten Songs heißt ‚Changes‘. Für Bowie galt: Wir müssen nicht sein, was wir sind. Wir können uns selbst kreieren. Können selbst entscheiden.«

Bowie habe »das Leben als mögliche Reise« betrachtet: von einer Station zur nächsten, ohne zu wissen, wann der Endpunkt erreicht sein wird. »Diese Sicht ist für unsere Inszenierung wichtig, sie beginnt an einem dystopischen Punkt, vage orientiert an Orwells ‚1984’. Situiert in einer Stadt, in der alles verboten ist: Liebe, Freundschaft, Kontakte, und die von einer aggressiven Gang terrorisiert wird. Viele Bowie-Songs handeln davon, dass Individuen keinen Platz haben in einer gesellschaftlich brutalen Umgebung und sie ihn sich erkämpfen müssen. Es gibt einen pessimistischen jungen Mann und eine eher optimistische junge Frau, die vielleicht auch ein Mann sein könnte, das bleibt im Ungefähren. Das Finale mündet für mich in das berühmte aus dem Lateinischen überlieferte Wort: Amor vincit omnia. Die Liebe überwindet alles.«

Ein wenig erinnert das an eine zugespitzte »West Side Story«, das Musical von Leonard Bernstein und Stephen Sondheim, das Sie auch schon inszeniert haben? »Stimmt, das ist mein Thema«. Die Selbstermächtigung des Anderen, des Außenseiters, des ‚Unreinen’: Van Hove findet es bei Fassbinder und bei Chéreau, auch bei Tennessee Williams, Pasolini, Visconti, Tony Kushner, deren Stücke und Stoffe ihn beschäftigt haben.

Im Video zu dem Song »Lazarus« schwebt Bowie aus seiner Matratzengruft davon, halluziniert wie in der Zeitschmelze sein jüngeres Ich und transzendiert den eigenen Tod. Es ist nicht alles zu Ende. Hat Van Hove ihn so erlebt? Er zögert, es sei für ihn sehr »schwierig«, davon zu sprechen. Er habe David Bowie motiviert, den Lazarus-Song im Musical-Ablauf so zu platzieren, dass man das Grundproblem der Figur verstünde: zu sterben. »Look up here, I’m in heaven«, heißt die erste Zeile. Im Nachhinein ist das wie ein Testament. Emotional sei es für ihn bis heute unmöglich, das Album »Blackstar« zu hören. »Und das Video zu Lazarus musste ich nach 15 Sekunden abschalten. Es war für mich zu viel. Unglaublich, wie jemand es geschafft hat, den eigenen Tod in Kunst zu verwandeln.«

Zur Person

Ivo Van Hove, geboren 1958 in belgischen Heist-op-den-Berg, begann 1981 seine Karriere. Er war unter anderem Künstlerischer Direktor der Toneelgroep Amsterdam (heute: International Theater Amsterdam) und auch des Holland Festival. In mehr als vier Jahrzehnten entstand eine gewaltige Zahl an Inszenierungen für das Sprech- und Musiktheater, darunter in London, Madrid, Paris und New York, in Berlin, Hamburg und München ebenso für Festivals wie Avignon, Edinburgh und Wien. Als Intendant leitet er die Ruhrtriennale 2024-2026.

»REBEL REBEL«

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Dichtes Netz aus Andeutungen

»Der Text ist mir richtig in die Knochen gefahren«

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Emily Dickinsons Poesie wird Klang

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Die Seele hat kein Geschlecht

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Echo-Räume bis ins Heute

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