Kunst-Special Frühjahr 2023

special

Drei Solisten

Text: Stefanie Stadel

28. März. 2023

Manuel Graf: Bullet to Beijing, 2023

Der Messefrühling lockt ins schicke Böhler Areal: Bei der Art Düsseldorf zeigen 95 Galerien ihr Angebot. Zehn Solos werden präsentiert – drei haben wir ausgewählt und stellen sie hier vor.

Der Messefrühling lockt ins schicke Böhler Areal, wo sich die Türen für die fünfte Ausgabe der Art Düsseldorf öffnen. In den alten Fabrikhallen zeigen diesmal 95 Galerien ihr Angebot. Dabei nutzen vor allem wieder führende Kölner und Düsseldorfer Händler*innen die Bühne vor der eigenen Haustür. Um die 30 kommen aus dem Rheinland, immerhin etwa ebenso viele Aussteller*innen reisen aus Berlin an. Neu sind diesmal eine eigene Sektion für jüngere Galerien, »Next« genannt. Und ein weiteres Sonderprogramm, das unter dem Label »Solo Projects« einzelnen Künstler*innen einen großen Messe-Auftritt einrichtet. Zehn Solos werden in diesem Jahr präsentiert – drei haben wir ausgewählt und stellen sie hier vor.

Die Familie im Fokus: Morgaine Schäfer bei fiebach, minninger

Während des Studiums hatte sie den Schatz gehoben. Ein riesiges Archiv von Dias – lauter Familienfotos, aufgenommen vom Vater in den 1970er und 80er Jahren. Morgaine Schäfer (Jahrgang 1989) war damit schon 2017 bei ihrer Abschlussarbeit als Meisterschülerin von Christopher Williams an der Düsseldorfer Kunstakademie umgegangen. Seither dreht und wendet sie das Material. Ordnet und sortiert, erforscht und verwandelt die alten Bilder. Dabei fällt ihr Blick immer wieder auf Frauen aus der Familie – auf die Großmutter, die Tante und vor allem auf die eigene Mutter, die als junge Frau aus Polen nach Westdeutschland gekommen war, Morgains Vater kennengelernt und geheiratet hatte. Auf den Familienfotos aus dem Archiv ist sie in etwa so alt wie die Tochter heute.

Was Morgaine Schäfer dabei interessiert, ist nicht nur die eigene Geschichte, die eigene Identität. Die Künstlerin geht weiter. Sie versucht, dem Leben der Mutter nahezukommen – zwischen Ost und West als Frau in der Fremde während der 1970er Jahre. Manchmal fragt sich die Künstlerin, warum die Mutter so melancholisch scheint. Von diesen persönlichen Fragestellungen ausgehend, erforscht sie die Rolle und Selbstdarstellung der weiblichen Familienmitglieder im Allgemeinen und richtet ihr Augenmerk nicht zuletzt auch auf den Vater, der die Frauen mit seinem männlichen Blick ins Visier nimmt.

Um den Lichtbildchen auf den Grund zu gehen, legt Morgaine Schäfer sie im Atelier auf einen Leuchttisch. Und benutzt statt der Lupe das Handy, mit dem sie sich tief in die vergangenen Lebenswelten hineinzoomt, Motive oder Personen aus ihrem Umfeld herauslöst. Immer wieder lässt sie dabei das Bild der Mutter aus der Menge treten, isoliert die junge Frau und zeigt sie mitunter auch nur teilweise – die Beine im pinken Rock und auf hohen Hacken etwa, vor ihrem Bauch baumeln zwei Babybeine in Sandalen, die wohl zu Morgaines älterem Bruder gehören.

Aus der Arbeit mit dem Handyzoom heraus hat die Künstlerin nun auch ihre aktuellen Werke entwickelt, die beim Einzelauftritt am Stand der Kölner Galerie fiebach, minninger zu sehen sein werden. Es sind Fotos im Foto: Das Dia im Ausschnitt auf Morgaine Schäfers Smartphone-Display. Eine spannende Mischung. Ein halbes Jahrhundert alte Fotos, gesehen durch die digitale Lupe, die wiederum abfotografiert wurde – Gestern und Heute in ein und demselben Bild.

Verdrehte Realitäten: Alwin Lay bei Koenig2 by_robbygreif

Zwei gelbe Ballons. Ob sie ohne ihr Netz wohl davonflögen? Natürlich nicht, denn die Ballons sind ja Zitronen. Womöglich hat Alwin Lay sein Foto einfach auf den Kopf gestellt und die Früchte so der Schwerkraft enthoben. Es ist eine immer wiederkehrende Strategie in den sorgsam konstruierten und inszenierten Fotos, Videos, Installationen des 1984 in Rumänien geborenen, jetzt in Köln lebenden Künstlers. Durch gezielte Eingriffe wirft Alwin Lay Gesetzmäßigkeiten aus der Bahn. Realitäten werden verdreht. Mal heben Zitronen ab, mal stemmt der Anfang vom Klebestreifen den ganzen Rest der Rolle, oder ein Stück Kabelbinder wirft den Schatten einer Gabel.

Es geht noch aufwändiger: So hat Alwin Lay auch schon einmal eine Espressomaschine in die wasserdichte Vitrine gestellt und in 36 Einzelbildern dokumentiert, wie der unablässig produzierende Apparat schließlich im eigenen Saft ertrinkt – sich buchstäblich zu Tode arbeitet. Bei solchen Bildern bewegen natürlich nicht nur die befremdlichen, absurden, humoristischen Pointen. Alwin Lay, der an der Düsseldorfer Kunstakademie und an der Kunsthochschule für Medien in Köln studiert hat, denkt nach über sein Medium und macht klar, wie sehr die Fotografie unsere Wahrnehmung und unser Verständnis von Realität beeinflusst hat. Darum geht es jetzt auch bei seinem Solo-Auftritt am Stand von Koenig2 by_robbygreif, ein Ableger der Wiener Christine König Galerie. Präsentiert werden dort Arbeiten der letzten drei Jahre.

Dampflok aus dem Drucker: Manuel Graf bei Van Horn

Schornstein, Räder, Führerhaus – es sieht fast wie eine Dampflock aus, futuristisch frisiert und glattpoliert. Eigens für sein Messe-Solo bei Van Horn hat Manuel Graf diese neue Werkgruppe entwickelt und will am Stand der Düsseldorfer Galerie gleich mit einer kleinen Flotte solcher Fahrzeuge auffahren. Der 1978 im baden-württembergischen Bühl geborene und lange schon in Düsseldorf lebende Künstler hat allerhand ausprobiert: Videoarbeiten, Computeranimation, Malerei, Keramik, Installationen… Thematisch geht es ihm dabei immer wieder um die Entwicklung der menschlichen Existenz und um ihre kulturellen und technischen Errungenschaften.

Und so hatte Manuel Graf wohl auch bei seiner neuesten Werkgruppe die historische Bedeutung der Lock als Fortschritts-Treiberin im Kopf. Denn für seine Skulpturen sind Technik und Fortschritt ebenso wesentlich. Man muss wissen, dass sie sämtlich aus dem 3D-Drucker stammen und ihre besondere Form nicht vom Künstler erfunden, sondern per KI kreiert ist. Manuel Graf hat dazu einen Text-zu-Bild-Generator benutzt, dem ein paar Anweisungen reichen. Eine mehr oder weniger genaue Beschreibung, und die Künstliche Intelligenz beginnt ihre Suche in Millionen von Bildern aus dem Internet. Je nach Vorgaben wählt sie dann aus dem bereits bestehenden und gespeicherten Bild-Material einzelne Elemente aus und fügt sie neu zusammen. Dann kommt der 3D-Drucker zum Einsatz und macht ein Modell daraus, das vom Künstler per Hand überformt und dann ganz traditionell in Metall gegossen wird.

Eine Attacke auf die traditionellen Vorstellungen von Kunst sind diese Lokomotiven ganz sicher. Manuel Graf geht aber noch einen Schritt weiter. Selbst den Infotext zu seiner Schau hat er einer KI überlassen. Chat GPT versteht den Künstler vielleicht am besten und weiß folgendes: »Während sich manche durch den Aufstieg der KI in der Kreativbranche bedroht fühlen, sieht Graf die KI als Sparringspartner.« Es kommt noch besser: »Mit dem Aufkommen von Werkzeugen der Künstlichen Intelligenz (KI), die Text in Bilder umwandeln, sehen wir eine Chance für eine Demokratisierung der kreativen Mittel. Der kreative Prozess wird für alle zugänglicher, unabhängig von ihrem sozioökonomischen Hintergrund oder ihrem Bildungsniveau.« Findet der Roboter.

Art Düsseldorf

31. März bis 2. April

www.art-dus.de

Zurück in die Zukunft

Text: Andreas Wilink

01. Apr.. 2023

Heute vor 100 Jahren: Die Epoche der »1920er!« lässt die Bundeskunsthalle Bonn in einer weit gefassten Ausstellung leuchten. »Im Kaleidoskop der Moderne« erscheinen Menschen, Maschinen und Metropolen.

Wir geraten in Schräglage, kippen aus dem Lot, kriegen die Kurve. Es stürzt auf uns ein, kreiselt, schneidet ein, überblendet, kantet gegeneinander, türmt sich auf, rast wie wild. Das Jahrzehnt tauscht die gerade Fläche und das Vollkommene gegen die Bruchlinie, den Torso. Die 1920er sind die Epoche der Asymmetrie. Einheit, oder was die Vorkriegswelt dafür hielt, ist zerborsten, zersplittert, zerstückelt – künstlerisch, politisch, sozial, erotisch. Rollende Räder, tanzende Beine, fliegende Buchstaben, stenografische Kürzel, Prothesen, die ihr behelfsmäßiges Wesen abwerfen. Von der »Fragmentierung der Welt« spricht der Historiker Philipp Blom. Ein Universum, in dem die Diagonale für Dynamik steht und das Ausrufezeichen regiert.

»Im Kaleidoskop der Moderne« sieht die Ausstellung in der Bonner Bundeskunsthalle die Jahre nach der Urkatastrophe des Europäischen Krieges, den revolutionären Umstürzen und ideologischen Aufrüstungen von Sozialismus, Kapitalismus und Nationalismus. Das Instabile und Ruinöse, verursacht durch Inflation, Weltwirtschaftskrise und Börsencrash, nötigt und manipuliert Menschen, Gesellschaften und Staaten. Sie wurden amputiert, verkürzt, verbogen, provisorisch geflickt zurückgelassen – die Wundmale nehmen die Form des Neuen an. Die Resultate von 1918/19 und ihr revisionistisches Rumoren klingen als Echo durch unsere Tage: das gellende Kriegsgeräusch auf dem Kampffeld Ukraine.

Das Ganze in Einzelteile zerlegt. Bonn setzt die Arabesken zum Groß-Puzzle zusammen und inszeniert sie szenografisch wie auf einem Set. Gegliedert ist der von Agnieszka Lulińska kuratierte Schau-Parcours über die Roaring twenties in die drei Hauptkapitel »Metropolen – Menschenbilder – Lebenswelten«. Neben der chronologischen Einordnung halten sie Material in Hülle und Fülle bereit: Gemälde, Zeichnungen, architektonische Entwürfe, musikalische Aufnahmen, Fotografien, den die feministische Position blitzgescheit reflektierenden (fiktiven!) Briefwechsel von Lotte Laserstein und Friedel Haustein und viele dokumentarische Zeugnisse. Mehr als 70 Leihgeber, Museen und Institutionen, haben Objekte zur Verfügung gestellt, von Amsterdam, Berlin, London und Oslo über Wien, Budapest und Prag bis Riga, Tallinn und Warschau.

Immer Extreme

Collage, Fotomontage, Film und Fotografie sind das bevorzugte Transport- und Ausdrucksmittel für die Energie der Epoche. Der Bildungsbürger, der die Weimarer Republik noch auf ihren Namen getauft hatte, hat abgedankt, der Ingenieur und der Rennfahrer werden zum Idealtypus: homo faber, homo athleticus und homo artista wachsen aus einer Wurzel. »Der Mensch als Industriepalast«, so zitiert Philipp Blom in seinem Katalog-Essay einen Buchtitel des deutschen Arztes und populärwissenschaftlichen Autors Fritz Kahn.

Die Metropole und Megacity, wie sie Fortunato Depero verschachtelnd auskragend malt und Le Corbusier in ihrer Funktionalität und Organisation vordenkt, erobert sich den ersten Rang als Schauplatz: Berlin mit Döblins Alexanderplatz und seinen Galerien, Verlagen, Theatern, Kabaretts und dem Sportpalast. Das vom Optimismus des Kollektivs trunkene Moskau stanzt den Suprematismus und einen bombastischen Sowjetischen Realismus hervor. In Paris unterm eisernen Gerüst des Eiffelturms logiert die amerikanische Bohème – Josephine Baker trifft 1925 ein und findet Hemingway, die Fitzgeralds, Ezra Pound und Gertrude Stein vor.

Und dann die Stadt der Städte: New York, wo das schwarze Harlem den Rhythmus setzt, den Jazz über den Atlantik sendet und George Gershwin hinterher. Manhattans Straßenschluchten, überwachsen von den Skeletten der Hochhaus-Saurier, werden ikonisch (der erste auf dem Empire State Building endende King Kong-Film kam etwas zu spät, erst 1933, aber er hätte in die Zwanziger gepasst, ebenso Charlie Chaplin, der 1936 ins Räderwerk der »Modern Times« gerät). Babylon bildet die Metapher und das Synonym für das urban Wuchernde, lustvoll Unfromme, Himmelschreiende, Selbstvergessene. Immer Extreme.

Das Stahlrohr liefert das Konstruktionsprinzip für Gebäude, Möbel, dem sich auch der menschliche Körper anzupassen scheint, der andererseits seine Hüllen abwirft und Nudität am Strand, beim Sport, im Boxring oder auf der Bühne zelebriert. Arbeiten von El Lissitzky, Willi Baumeister oder Alice Lex-Nerlinger zeigen das Spannungsverhältnis des ‚neuen’ Menschen zwischen natürlichem Wachstum, maskenhaft mechanischer Reproduktion und verschraubter Apparatur.

Überall und gleichzeitig ist Avantgarde, Experiment, Emanzipation, technische und wissenschaftliche Zukunftsgestaltung, blitzen Facetten von Fortschritt im zirkulären Austausch.

Die Frau motorisiert sich und sitzt als »Girldriver« am Steuer – Tamara de Lempicka stellt ihren Geschlechtsgenossinnen bildnerisch dafür lässig, cool und mondän die Fahrerlaubnis aus. Sie bekommt Wahlrecht, raucht, stöpselt als Fräulein vom Amt, stöckelt ins Büro oder geht allein auf Weltreise (höchstens in Begleitung ihres Bruders, wie die allgegenwärtigen Erika und Klaus Mann). Sie kreiert sich zur Garçonne (amerikanisch: Flapper), trägt Kurzhaarfrisur, Hosen, Smoking oder befreiend fließende Kleider in schmaler Silhouette, wie sie Coco Chanel, Sonia Delaunay, Sarah Lipska und Madeleine Vionnet entwerfen. Die Schauspielerin Louise Brooks repräsentiert mit dem von dem polnisch-stämmigen Pariser Star-Coiffeur Antoni Cierplikowski frisierten Bubikopf den Phänotyp, Irmgard Keuns »Kunstseidenes Mädchen« tut es ihr literarisch nach.

Claude Cahun: Aveux non avenus / Ungültiges Geständnis, Tafel III, 1929/2002. Foto: Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie

»Wege zu Kraft und Schönheit«, so ein ertüchtigender Filmtitel von 1925, öffnen sich. Körper- und manchmal auch deren Schmerzgrenzen weiten sich, Identitätsfestschreibungen lockern sich. Die dem Surrealismus zugehörige Fotokünstlerin Claude Cahun deutet mit sich selbst als Modell Geschlechterrollen radikal um. Im Pariser Nachtlokal »Monocle« – wie auch im Berliner Nachtleben – amüsieren sich die Gäste beim gleichgeschlechtlichen Spiel und bei sexuellen Sensationen, während Cahun den existentiellen Ernstfall probt.

Egon Schiele, der 1918 der Spanischen Grippe erlag, hatte dem entblößten Leib unter die Haut bis auf die Knochen geschaut. Sein Erbe setzt sich fort, indem sich Abbild und Zerrbild annähern. Fernand Léger demontiert die Harmonie des Menschen und legt sein Inneres als Röhrensystem frei, Otto Dix demaskiert ihn bis zur Fratze. Umbo verwandelt den »Rasenden Reporter« Egon Erwin Kisch zum Blechkameraden und Roboterwesen mit Grammophon-Ohren und Propeller-Beinen. Kasimir Malewitsch, Oskar Schlemmer, Heinrich Hoerle oder deren ungarischer Maler-Kollege Sándor Bortnyk basteln das Individuum zur Figurine um. »Le tumulte noir« nennt Paul Colin seine hinreißende Zeichnungs-Mappe, in der neben anderen Maurice Chevalier und Josephine Baker wie Gliedermann und Marionette scheinbar knochenlos über die Blätter schwingen.

»Die Maschine kennt keine Hemmungen«, schreibt die amerikanische Dichterin Mina Loy 1923. Das weibliche Automatengeschöpf als Kreatur des Bösen (Brigitte Helm), dessen Panzerung an Rudolf Bellings metallische Skulpturen erinnert, und die unterjochte Masse Mensch durchkämpfen gegeneinander Fritz Langs Science-Fiction-Film »Metropolis«. Zwischen Utopie und Dystopie schwankend, evoziert die hybride Ufa-Produktion am Ende die Vermittlung von Hand und Hirn durch das Herz.

Im Kontrast zu diesen Entwürfen einer am Futur orientierten, elektrifizierten, kommunizierenden, Tempo und mobil machenden Gegenwart behauptet sich – neben den Delirien der Dada-Bewegung – die mahnende Darstellung des Sozialen. Die Beschädigten drohen in der Zentrifuge Zukunft an den Rand und darüber hinaus geschleudert zu werden. Käthe Kollwitz’ unbestechlicher Blick auf das Elend des Industrieproletariats, Conrad Felixmüllers müder Zeitungsjunge, August Sanders Fotogalerie der Gesichter, Christian Schads neusachliche sezierende Porträts und die Lyrik und Dramen des Dichter-Genies in Lederjacke, Brecht, oder die Romane von Fallada und Kästner sprechen die Sprache der Ernüchterung und nehmen die Misere in den Blick, die sich nicht hinweg tanzen, schminken und montieren lässt.

Wie vertragen sich Autonomie und Massengesellschaft, wie die allgemein erhitzte Betriebstemperatur und Beschleunigung und der wachsende Anspruch auf individuelles Glück in der persönlichen Ruhezone? Fragen von Damals für unser Heute und Morgen. Die 1920er sind, ausgehend vom Brennpunkt 1918, bis zur Demarkationslinie 1933 zu betrachten. Unsere 2020er Jahre kennen immerhin schon ihre zwei Anfangsmarkierungen, den Beginn der Pandemie im März 2020 und den 24. Februar 2022.

»1920er! Im Kaleidoskop der Moderne«

Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn

1. April bis 30. Juli 2023

Katalog, Sandstein Verlag, Dresden, 264 S., zahlreiche Abb., 42 Euro

www.bundeskunsthalle.de

Mit klinischer Präzision

Text: Jörg Restorff

06. Apr.. 2023

Lucinda Devlin: »Operating Room #8, Forrest General Hospital, Hattiesburg, 1998«, aus der Serie »Corporal Arenas«. Alle Fotos: © Lucinda Devlin, Galerie m, Bochum

Lucinda Devlin dokumentiert Orte des Vergnügens und des Grauens. Eine Werkübersicht der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur im Kölner Mediapark zeigt das Gesamtschaffen der Amerikanerin.

Ob OP-Raum, römisches Bad, Massage-Salon oder Whirlpool im Honeymoon-Hotel – die Motive, die Lucinda Devlin in ihren Fotografien festhält, haben in vielerlei Hinsicht mit Gesundheit und Entspannung zu tun. Wohlige Wellness allerdings strahlen die Bilder nicht aus. Ganz im Gegenteil. Bei der Betrachtung der meist menschenleeren Interieurs kann einen leicht frösteln. Streng sachlich, mit geradezu klinischer Präzision legt die US-Fotografin Räume gleichsam unters Mikroskop ihrer Sicht auf die Welt. Vergnügungsstätten wie Pool, Sauna und Massage, denen Devlin die Serie »Pleasure Ground« (1977-1990) gewidmet hat, fotografiert sie mit derselben wissenschaftlich-ungerührten Akribie wie Orte des Grauens – ihr bekanntester Zyklus »The Omega Suites« (1991-1998) konfrontiert uns mit Hinrichtungsräumen in US-amerikanischen Gefängnissen.

Wie weitgefächert das Werkspektrum der 1947 geborenen Künstlerin ist, das verdeutlicht die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur im Kölner Mediapark mit der Retrospektive »Frames of Reference«. Mit Deutschland verbindet die in Belmont, North Carolina, lebende Künstlerin einiges: 1999 brachte sie ein DAAD-Stipendium nach Berlin – damals begann die Arbeit an ihrer Serie »Water Rites« (bis 2002), deren Motive sie in deutschen Kurbädern fand. Von den zwei Galerien, die Lucinda Devlin vertreten, stammt eine aus Bochum: Einer Kooperation mit Susanne Breidenbachs Galerie m entsprang auch die Ausstellung der Photographischen Sammlung.

Neben den Serien »Pleasure Ground«, »The Omega Suites« und »Water Rites« präsentiert die Leiterin Gabriele Conrath-Scholl sechs weitere Zyklen, die das weite Feld zwischen Zivilisation und Natur vermessen: Geht es in »Corporal Arenas« (1982-1998) und »Subterranea« (seit 1980) um Räume, die oft mit medizinischen Eingriffen, Heilung und Therapie in Zusammenhang stehen, so erkundet Devlin in »Habitats« (seit 1985) die Lebenswelt der Tiere. Typisch für sie, dass diese Farbfotografien nicht in freier Wildbahn entstanden sind, sondern in Zoos und künstlichen Unterwasserwelten. Zugespitzt formuliert: Auch wenn die Aufnahmen Tiere zeigen, geht es vor allem um Menschen.

Lucinda Devlin: »Bath, Pocono Palace, Marshall’s Creek, Pennsylvania, 1980«, aus der Serie »Pleasure Ground«.

Wie die Agrarindustrie Landwirtschaft als bis zum letzten Grashalm auf Profit getrimmtes System betreibt, inklusive Monokulturen und Gentechnik, davon handelt die Serie »Field Culture« (seit 2007). Weniger genormt erscheinen dagegen die »Lake Pictures« (Schauplatz der 2010-2019 fotografierten Serie ist der riesige Lake Huron) und »Salt« (Salzseen in Utah, seit 2014). Obwohl man hier sogar Fotos entdecken kann, die unserem klassischen Verständnis einer schönen, gar romantischen Landschaft entsprechen, ist die Natur bei Lucinda Devlin stets exakt durchkomponiert. Ihre Kamera nimmt die Motive frontal ins Visier, zielt auf ein ausgewogenes, klar strukturiertes Ganzes. Bei den Seelandschaften liegt der Horizont genau in der Mitte der Fotografie. Verpönt sind Effekte und Inszeniertes. Zum Ideal des ausbalancierten Bildes passt das von ihr bevorzugte Format des Quadrats: Betonen Hoch- und Querformat – die bevorzugten Dimensionen der Fotografie – eine Richtung, so bleibt das Quadrat allseits neutral.

Mit ihren systematischen Serien knüpft Lucinda Devlin an die dokumentarische, konzeptuelle Fotografie an, wie sie durch Bernd und Hilla Becher begründet wurde. Verstand das Düsseldorfer Fotograf*innen-Paar seine »Typologien« mit Fördertürmen, Hochöfen oder Gasometern als Archäologie der Industrie-Architektur des frühen 20. Jahrhunderts, so bewahrt auch Devlin in ihrer Serie »Pleasure Ground« Spuren einer vergangenen Epoche, in diesem Fall der 80er und 90er Jahre. Zwischen 1977 und 1996 führten sie Streifzüge in Clubs, Spa-Zonen, »Cupid Rooms«, Peep-Show-Kojen und Striptease-Bars. Die aufdringliche Gestaltung dieser frivolen, teils zwielichtigen Vergnügungsräume spiegelt den Zeitgeist der Disco-Ära. Der Begriff ‚Rotlichtmilieu‘ ist bei diesen Fotografien wörtlich zu nehmen, zeigen doch sämtliche Aufnahmen menschenleere Räume, die in ein intensives, gewollt erotisch aufgeladenes Rot getaucht sind. Von Erotik jedoch findet sich keine Spur in den Bildern. Stattdessen blicken wir auf Relikte eines Hedonismus, der nicht Jahrzehnte, sondern Jahrhunderte zurückzuliegen scheint.

Die Vorliebe für verwaiste Innenräume teilt Lucinda Devlin mit ihrer drei Jahre älteren Kollegin Candida Höfer, eine der renommiertesten Fotograf*innen der Becher-Schule. Wie Höfer begann auch Devlin mit Fotografien von Menschen, die später aus dem Repertoire verbannt wurden. Was nicht bedeutet, dass Menschen in diesen Werken keine Rolle spielen. Vielmehr dienen die Interieurs als deren Stellvertreter. Beinahe so, als würde ein Bühnenbild bereits alles Notwendige über ein Stück aussagen, weshalb die Schauspieler*innen entbehrlich sind.

»Meine Arbeiten spiegeln die Werte der amerikanischen Kultur und die Annahmen derjenigen, die diese Räume gestalten – sie spiegeln ihre Annahmen darüber, was ihrer Meinung nach mit Vergnügen zu tun haben könnte.«

Lucinda Devlin

Immer wieder gelingen Devlin Fotos, die in formaler Hinsicht perfekt anmuten. Das gilt etwa für den herzförmigen Whirlpool, den sie 1980 im Pocono Palace Resort, einem Wellness-Hotel in Stroudsburg, Pennsylvania, verewigte. Wegen der beengten Raumverhältnisse platzierte sie ihre Kamera auf dem Boden der Wanne. Das Objektiv richtete sie auf den darüber installierten Deckenspiegel. Per Selbstauslöser entstand so ein Bild, das den Whirlpool mitsamt der Lichtergirlande, die ihn einfasst, aus der Vogelperspektive übersichtlich einfängt.

Von vergleichbarer kompositioneller Vollkommenheit ist das Bild »Operating Room #8, Forrest General Hospital, Hattiesburg, 1998«, das zur Serie »Corporal Arenas« gehört. Diese Folge, so Devlin, »entstand aus einem Erlebnis, das ich hatte – meine Mutter starb, als ich in der High School war, und wir mussten einen Sarg aussuchen. Diese Erfahrung hat mich viele, viele Jahre lang begleitet.« In einem abgedunkelten Raum wird der OP-Tisch von einer Deckenlampe so magisch und hoheitsvoll angestrahlt, dass man sich fühlt, als stünde man vor einem Altar. Menschen sind auch hier keine zu entdecken. Sie würden wohl auch stören, denn diese makellose Raumstudie genügt sich selbst.

Der OP-Raum erinnert an die Hinrichtungsbahren ihrer Serie »The Omega Suites«, mit der die Künstlerin in den 1990er Jahren bekannt wurde. Die Präsentation bei der Biennale von Venedig 2001 rückte Devlin schlagartig ins Zentrum der Aufmerksamkeit des internationalen Kunstbetriebs. Bei Debatten über die Todesstrafe kamen die Fotosn, die sie zwischen 1991 und 1998 in rund 20 US-Gefängnissen machte, wiederholt als Illustration zum Einsatz. Die rund 30 Bilder als Kritik an der drakonischen Strafe zu interpretieren, hieße jedoch, sie misszuverstehen. Obwohl die Künstlerin selbst gegen die Todesstrafe ist, prangern ihre Aufnahmen nicht an. Elektrische Stühle, Gaskammern, OP-Tische zur Verabreichung der Todesspritze, Zellen, in denen die Sträflinge auf die Exekution warten, Räume, wo Zeugen die Hinrichtung verfolgen – all diese makabren Motive werden mit scheinbar stoischer Gemütsruhe in Szene gesetzt. Vielleicht ist gerade diese Reserviertheit der Grund, weshalb einen diese Impressionen einer ebenso fremden wie befremdlichen Welt umso nachhaltiger erschüttern.

Lucinda Devlins »The Omega Suites« fordert den Vergleich mit einem anderen Meister der Indifferenz geradezu heraus; die Rede ist von Andy Warhol, dessen Siebdruck-Serie »Electric Chair« von 1963 als Teil der »Death and Disaster paintings« für Furore sorgte. Wie kann jemand, der banale Suppendosen oder verführerische Posen von Marilyn Monroe zum Serienmotiv macht, etwas so Grausames wie einen Elektrischen Stuhl mit professioneller Neugier zum Kunstgegenstand nobilitieren, ohne weltanschaulich Stellung zu beziehen? Das fragten sich viele Bewunderer Warhols. Und diese Frage lässt sich auch vor Devlins Ansichten aus dem Maschinenraum der Exekution kaum unterdrücken.

Die Antwort hat mit dem Unterschied von Fotojournalismus und Kunst zu tun. Fotojournalismus bezieht Stellung, ergreift Partei. Bei Kunst ist das nicht notwendig der Fall. Offensichtlich gehört Devlin nicht zu jener wachsenden Zahl von Künstler*innen, die glauben, die Welt verbessern zu müssen – oder zu können. Insofern ist ihre Kunst, die im Gewand der Dokumentarfotografie daherkommt, l’art pour l’art. »Die Omega Suites«, erklärt Devlin, »stellen zwar Hinrichtungskammern dar, aber machen letztlich nicht die Erfahrung der Hinrichtungskammer aus. Sie sind eine Einheit für sich.« Mehr noch: »Wenn man die Fotos ansieht, sind sie auf eine gewisse Weise wunderschön«, meint die Fotokünstlerin. Bei allem Verständnis für die Eigengesetzlichkeit der Kunst: Dieses Urteil nachzuvollziehen, fällt schwer.

»Lucinda Devlin – Frames of Reference«

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln

bis 16. Juli

sk-kultur.de

Mehr Fest als Protest

Text: Stefanie Stadel

04. Apr.. 2023

Foto: Kunstakademie Düsseldorf

Die Düsseldorfer Kunstakademie plant Feierlichkeiten zu ihrem 250-jährigen Jubiläum – und alle machen mit.

Beim letzten runden Geburtstag hatte die Kunstakademie aufs Feiern verzichtet. Denn nach der fristlosen Entlassung von Joseph Beuys befürchtete man, wohl nicht ganz zu Unrecht, das Jubiläum könne zum großen Protestfest ausarten. Allein Beuys und seine Fans begingen damals die 200 Jahre, inoffiziell. Und zogen dazu in ihre Altstadt-Stammkneipe »Ohme Jupp«.

Heute – rund 50 Jahre sind vergangen – steht das nächste große Jubiläum an. Und wieder scheint die Stimmung ziemlich aufgeheizt am Eiskellerberg. Nach Corona, dem Rücktritt von Direktor Karl-Heinz Petzinka und der misslungenen Direktor*innen-Wahl vergangenen Dezember brodelt es geradezu in der Kunstakademie – und nicht weniger im Netz. Man hört und liest von Lagern, die einander gegenüberstehen. Von Machtkämpfen und einer Spaltung, die quer durch das Institut verlaufe. Auflehnung ist angesagt – gegen Bevormundung, Bürokratie und das Ministerium. Einen Höhepunkt hatte das Debakel Mitte März erreicht, als Johannes Myssok seine Ämter als kommissarischer Rektor und Prorektor niederlegte und die Kunstakademie plötzlich ohne Leitung dastehen ließ.

Trotz allem soll diesmal groß gefeiert werden. Nicht nur in der Kneipe, wie vor 50 Jahren, sondern in der ganzen Stadt. Und ziemlich rauschend, wie es klingt, wenn Robert Fleck, Professor und Koordinator der Feierlichkeiten, von den Plänen erzählt: »Wir gehen raus«, diesen Vorsatz habe man schon früh gefasst. Weil die Kunstakademie zwar auf der einen Seite sehr bekannt sei, aber auf der anderen recht geschlossen. Da hat Fleck Recht. Nur zu den Rundgängen am Ende des Semesters darf man hineinschauen, ansonsten bleibt verborgen, wie die Lehre hinter den alten Mauern läuft. Interessanter noch als der Vorsatz hinauszugehen aber ist, wie die Akademie – wie Studierende, Klassen, Gruppen, Professor*innen, Dozent*innen – ihn mit eigenen Ideen verwirklichen. Dabei sind offenbar erstaunlich wenige Vorgaben im Spiel. Das ganze Fest wird weniger von oben geplant, als vielmehr von unten mit Leben gefüllt, so scheint es.

Die Wurzeln der Akademie reichen bis Rom

Anfangs sei die Resonanz nicht sonderlich gewesen, bemerkt Fleck und äußert Verständnis. Es sei ja normal, dass die Studierenden vor allem das laufende Semester im Kopf hätten. Doch nach und nach habe es sich herumgesprochen, dass es eine Finanzierung gibt, dass man Projekte draußen realisieren kann und dass diese Chance doch eigentlich genutzt werden müsste. »Es gab eine Superwelle, mittlerweile haben wir an die 50 Projekte, die zum Jubiläum realisiert werden«, man hört Fleck die Freude an. Auch wenn ihm als Koordinator diese »Riesenwelle« schlaflose Nächte bereiten dürfte. Zumal die Feierlichkeiten schon im April starten und das ganze Jahr über fortlaufen sollen.

Danica Dakic, Professorin für Film und Video, ist mit Studierenden bereits unterwegs in Rom, wohin die Wurzeln der Düsseldorfer Akademie reichen. Die Klasse entwickelt filmische Werke, in denen es um die Vergangenheit und Gegenwart des Instituts geht. Auch eine Gemeinschaftsarbeit soll entstehen und ab Juni auf der riesigen LED-Wand im Kö-Bogen II gezeigt werden. Die Bühnenbildklasse von Lena Newton will im April einen Workshop mit dem Tanztheater Wuppertal durchführen und die Ergebnisse ebenfalls im Juni öffentlich machen – gedacht ist an Performances mit Passanten. Auch Evamaria Schaller, Lehrende im Orientierungsbereich der Hochschule, plant mit ihren Studierenden Performances, die Fremdenführungen ähneln und im Juli zum Sommerrundgang rund um die Akademie stattfinden sollen.

Passend zu den 250 Jahren, plant Sabrina Fritschs Malereiklasse für den August eine 250-Stunden-Ausstellung mit Workshops und Vorträgen in der Sammlung Philara. Die Student*innen von Peter Piller wollen mit ihren Fotocollagen große Plakatflächen bespielen. Und die Klasse von Thomas Scheibitz schafft gemeinsam Gemälde und Collagen, die auf Banner gedruckt und an Bauzäune montiert werden sollen.

So viel zur Gegenwart. Die Vergangenheit der Kunstakademie nehmen zwei Buchprojekte in den Blick. Das eine beschreibt die künstlerische Lehre an der Akademie im Wandel der Zeit seit 1773. Im anderen dreht sich alles um einen besonderen Schatz: Die 40.000 Blätter starke grafische Sammlung der Kunstakademie, die sich als Leihgabe im Kunstpalast befindet. Der Künstler und Gründer der Düsseldorfer Akademie Lambert Krahe hatte sie im 18. Jahrhundert überwiegend in Rom zusammengetragen und dabei vor allem ein Auge auf italienische Zeichnungen und Druckgrafik geworfen. »Wir haben immer wieder versucht, Klassen dazu zu bringen, sich mit der Sammlung zu beschäftigen – es hat aber nie funktioniert.«

Jetzt aber: Das neue Projekt gesteht jedem Teilnehmer eine Doppelseite zu. Für die eine suchen sich die Studierenden eine historische Arbeit aus der Sammlung aus, auf der gegenüberliegenden formulieren sie ihre eigene künstlerische Antwort darauf. Rund 200 machen mit, was mehr als einem Drittel der Studierenden an der Akademie entspricht – »ein Wunder«, jubelt Fleck. Auch wenn das Ergebnis mit 400 Seiten dann fast Telefonbuchformat haben wird.

Die Veröffentlichung der beiden Druckwerke ist für die erste Oktoberhälfte geplant, wenn auch die offiziellen Jubiläumsfestivitäten über die Bühne gehen sollen – mit einem Festakt und mit der Politik. Ob es so kommt wie geplant, müsse aber die nächste ordentlich gewählte Direktorin oder der nächste Direktor entscheiden. Neuwahlen sind für den 24. April anvisiert – Fleck rechnet fest mit einer Wiederwahl der Kandidatin, die schon am 19. Dezember knapp das Rennen gemacht hatte, aber vom Ministerium wegen Verfahrensfehlern bei der Wahl nicht anerkannt worden war: Donatella Fioretti.

Singsang der Superorganismen

Text: Max Florian Kühlem

11. Apr.. 2023

Lex Rütten & Jana Kerima Stolzer, „Xtract”, 2023 (Videostill)

Für seine große Einzelausstellung hat das Künster*innen-Duo Jana Kerima Stolzer und Lex Rütten im Dortmunder Hartware MedienKunstVerein computeranimierte Pflanzenwesen geschaffen.

Man muss bis in den hintersten Raum vordringen, um einmal echte Pflanzen zu Gesicht bekommen: In der Installation »Azolla« wächst der gleichnamige Algenfarn in einem Aquarium. Ansonsten bestehen die Werke von Jana Kerima Stolzer und Lex Rütten vor allem aus computergenerierten Grafiken und Sounds. Dabei geht es in der Schau mit dem langen Titel »We grow, grow and grow, we’re gonna be alright and this is our show« (»Wir wachsen, wachsen und wachsen, es wird uns gut gehen und das ist unsere Show«) nicht um die Welt der Menschen mit ihrer wachstumshungrigen Wirtschaft und dem technologischen Fortschritt, sondern um Symbiosen in der Welt der Biologie.

Jana Kerima Stolzer und Lex Rütten sind ein junges Künstler*innen-Duo (beide 1989 geboren) und auch ein Paar, haben an den Kunstakademien in Düsseldorf und Münster studiert (Stolzer auch noch Fotografie an der Essener Folkwang Universität der Künste) und sind in der hiesigen Kunstwelt gerade sehr präsent. Nach Ausstellungsbeteiligungen unter anderem bei der Ruhrtriennale, im Kunsthaus NRW in Kornelimünster oder auch dem Hilbert Raum in Berlin erscheint die große Würdigung ihres aktuellen Werks quasi folgerichtig. Die beiden treffen einen Nerv: Im Prinzip drehen sich alle Arbeiten um die Zukunftsthemen Ökologie und Klimawandel – ohne dass plakativ darauf hingewiesen würde.

So müssen die Besucher*innen im Hartware MedienKunstVerein (hmkv), der im weithin sichtbaren Dortmund U untergebracht ist, genau zuhören, was die Pflanzen, Mikroben und Super-Organismen ihnen zu sagen haben. Dafür ist es allerdings notwendig, sich auf eine gewöhnungsbedürftige Ästhetik einzulassen, die alle Arbeiten auszeichnet: Stolzer und Rütten lassen die nicht-menschlichen Organismen nämlich selbst sprechen – beziehungsweise singen. So wird der Installations-Parkour zu einem schrägen, begehbaren Musical.

»Pionea« zum Beispiel ist eine Pionierpflanze, die – wie andere Charaktere in der Ausstellung auch – ein wenig an das außerirdische Pflanzenwesen Groot aus den Marvel-Filmen um die »Guardians oft he Galaxy« erinnert. Ein kleines, anthropomorphes Wesen aus Blättern, Dornen, Flechten, Moosen, Blüten, Stauden, Verholzungen. So wie seine Kolleg*innen spricht die computeranimierte »Pionea« aus einem Monitor heraus nur englisch, die Stimme ist über Kopfhörer zu hören, die Worte auch als Untertitel zu lesen, eine in das Werk integrierte Übersetzung gibt es allerdings nicht.

Die Wesen des Künstler*innen-Paars haben zwar mehr Text als Groot aus dem Marvel-Kosmos (das auf alle Fragen bloß »I am Groot« antwortet), aber ein Trend zur Reduktion ist auch bei Ihnen zu erkennen. »Pionea« etwa sprechsingt über die Natur ihrer Gattung: »Wir wurzeln und blühen – Veränderung sind wir«, und wiederholt am Ende wie ein Mantra: »Nichts ist so konstant wie der Wandel.«

Bunte Inseln in knalligen Neonfarben

So hat die Ausstellung erstmal vor allem Schau- und Hörwert. Die Besucher*innen wandeln durch dunkle Räume, aus denen die einzelnen Installationen wie bunte Inseln in knalligen Neonfarben herausstechen. Die Muster, die alles überziehen, erinnern an 1980er-Jahre-Design und auch der Sound, der den Computerstimmen-Singsang der Pflanzenwesen untermalt, hat etwas vom frühen Elektropop-Pionieren dieser Zeit. Einmal fühlt man sich ganz konkret an das Stück »Axel F« aus dem Film Beverly Hills Cop erinnert.

Alle Stationen laden mit ins Design integrierten Sitzmöbeln oder -säcken zum Herumhängen ein – eine Haltung der Kunstrezeption, die bei der letztjährigen Documenta groß zelebriert wurde. Die Installation »Micro« ist sogar ausschließlich Rumhäng-Ort ohne sprechendes Wesen, dafür mit einer Soundinstallation, die eher an ein Lounge-DJ-Set erinnert. Während man immer tiefer in den Sitzsack rutscht, kann man hier darüber nachdenken, ob wirklich bald ein Superorganismus namens »Micro« entsteht, der in symbiotischer Beziehung mit elektronischen Geräten wie Smartphones lebt, sich von Handschweiß ernährt und Strahlung absorbiert.

Wie tief sie darüber hinaus in die Themen der Schau einsteigen wollen, ist den Besucher*innen selbst überlassen: Allein im hervorragend ausgestatteten Lesesaal, wo Bücher wie Bruno Latours »Kampf um Gaia« ausliegen, könnte man Tage verbringen. Auch die Stationen »Azolla« und »Symbiotechnica« laden zur ausführlicheren Beschäftigung ein. Erstere erzählt vom eingangs erwähnten Algenfarn, der vor 49 Millionen Jahren im Wachsen und Wachsen und späteren Absterben und Absinken, zu Kohle und Erdöl Sedimentieren so viel CO2 gebunden hat, das es zur heute noch vorherrschenden Kaltzeit kam.

»Symbiotechnica« erzählt von der Antwort, die FDP-Politiker auf die Frage geben, wie man der menschengemachten Erderwärmung begegnen könnte: mit technologischem Fortschritt. Gedüngte Ozeane könnten wieder mehr Algen produzieren, Schwefeldioxid in der Stratosphäre eine neue Biosphäre schaffen. Ganz nebenbei erzählen die Künstler*innen, dass die Menschen im Ruhrgebiet ja schon eine Technik-Symbiose leben: Ohne die Pumpen, die das Grundwasser im durch Bergbau abgesunkenen Boden halten, würden große Teile der Region schlicht absaufen. Doch als Möglichkeit scheint am Ende auch dieser schlichte Gedanke auf: Sollten wir die Natur nicht vielleicht einfach in Ruhe lassen?

»We grow, grow and grow, we’re gonna be alright and this is our show«

bis 30. Juni

Hartware MedienKunstVerein

hmkv.de

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Bunte Inseln in knalligen Neonfarben

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